Los oficios de la música es un tema muy interesante
para que los alumnos conozcan el amplio abanico de trabajos que se
pueden realizar relacionados con el mundo de la música. Es un tema
extenso si se quiere profundizar en cada uno de los oficios que existen.
Como veréis, no están todos los oficios musicales que
existen pero he incluido los más destacados para dar una visión general
del tema. Para ello, se ha dividido los oficios musicales en 5 bloques:
Oficios relacionados con la Creación Musical, oficios relacionados con la Interpretación Musical, oficios dedicados a la Pedagogía e Investigación, oficios relacionados con el mundo de la Tecnología y los Medios de Comunicación y, por último, los oficios dedicados a la Construcción, mantenimiento y conservación de Instrumentos.
Abrimos nuestro auditorio para presentaros otra de esas obras de música
clásica que, pese a no estar escrita para niños, estoy segura que va a
hacer las delicias de vuestros alumnos, hijos, nietos... y por supuesto,
como muchas veces me indicáis en vuestros comentarios, de todos
vosotros. Hoy vamos a escuchar la más famosa obra musical ambientada en Oriente de cuantas se han escrito, todo un cuento musical basado en Las Mil y Una noches. Hoy vamos a hablar de Sheherezade de Rimski-Korsakov.
Sherezade, suit sinfónica. Este es el título completo de esta obra escrita por el compositor ruso Rimski-Korsakov en 1888
y en él, como ya habrán deducido aquellos que siguen nuestros post
sobre música, encontramos varios datos que nos definen o al menos nos
ponen sobre aviso de qué vamos a escuchar. Se trata de una suite, es decir una obra concebida a partir de números independientes, concretamente cuatro números y que está compuesta para orquesta sinfónica. Pero cuatro números que, como suite que es, deben tener un hilo conductor. En este caso, ni más ni menos, que los Cuentos de las mil y una noches.
La pregunta es clara en este punto ¿Estamos entre música programática? ¿Estamos ante ese tipo de música de carácter descriptivo que tuvo su momento de mayor esplendor en el Romanticismo y que tenía como objetivo evocar ideas o imágenes extra-musicales en la
mente del oyente?
Mi respuesta sería sí, estamos ante una obra en la que Rimski nos quiere trasladar con su música directamente a Oriente, a un palacio de cúpulas redondeadas lleno de turbantes y velos tampando sus caras. Un palacio dorado en
el que en una de sus cámaras una joven princesa intenta salvar su vida
contando historias a un despiadado y resentido sultán que ha tomado por
costumbre matar a sus esposas en la noche de bodas.
Aunque tal vez una mejor manera de situarnos en lo que vamos a escuchar sea leer las notas que el propio Rimsky- Korsakov dejó unidas a la partitura:
El sultán Shahriar, persuadido de la perfidia y la infidelidad de las mujeres,
jura matar a cada una de sus esposas después de pasar con ellas la primera
noche. Pero la sultana Scherezade logra salvar su vida cautivándole
con las historias que le cuenta durante mil y una noches seguidas.
Azuzado por su curiosidad, el sultán va demorando de día en día la
ejecución de su esposa y acaba por renunciar a ella definitivamente.
Scherezada le cuenta muchas maravillas, citando versos de los poetas
y los textos de las canciones, uniendo las historias unas a las otras.
Si os dais cuenta el programa que nos deja es muy general, no entra en
detalles. Es más en una revisión posterior incluso lo hace desaparecer
junto a los títulos de los cuatros movimientos que hacían alusión a los
episodios que había tomado como fuente de inspiración - El mar y el barco de Simbad (1º movimiento), El cuento del príncipe Kalender (2º movimiento), El joven príncipe y la princesa (3º movimiento), Fiesta en Bagdad. El mar. El barco naufraga contra la roca coronada por la figura de un guerrero de bronce (4ºmovimiento).
El por qué de estos cambios nos los explica el propio Rimski-Korsakov en sus memorias publicadas con el título de Crónicas de mi vida musical.
Suprimí las indicaciones que figuraban en cada parte,
pues con ellas sólo me proponía encauzar la fantasía
del oyente y marcarle la ruta que siguió la mía, dejando
librado a cada uno los detalles secundarios. Me propuse
que si el oyente gustaba de mi obra sinfónica,
experimentase la impresión de un cuento oriental
sobre una serie de hechos fantásticos y no solamente
cuatro piezas que se suceden sin variedad en el material temático.
Y así debemos entender la obra. La música no va a ser un relato al pie de la letra de cada uno de los cuentos elegidos. La música de esta obra que bien podríamos llamar un poema sinfónico sin argumento o una suite orquestal en cuatro partes nos
va a evocar una atmosfera general que nos traslada a ese Oriente de
cuentos fantásticos en donde, a partir de unas ideas musicales con las
que en ocasiones podemos establecer verdaderos leit motivs
ligados a ideas legendarias -no hay duda de que la maravillosa melodía
del violin representa a Scheherezade o que el sultán tiene su propio
tema como más abajo veremos- y en otras estas ideas musicales deben ser
vistas simplemente como motivos musicales que se transforman, pasan y se
derraman por toda la partitura dejando a nuestra imaginación la
evocación de la historia, dejando a nuestra imaginación una ruta de escucha con la que viajar a ese mundo lejano y fantástico que para todos representa el mundo de los Cuentos de las Mil y una noches.
A continuación, contextualizada la obra y explicada la intención puramente musical del compositor, os dejo una posible interpretación de cada uno de los cuatro números que componen la suite sinfónica de Sheherezade.
El mar y el barco de Simbad.
El primer movimiento comienza con una introducción en la que enseguida se nos van a presentar a los dos protagonistas: el sultán Shahriar y la bella Scheherezada. Lo primero que escuchamos es a la orquesta al unísono, en un tema en el que sobresalen los instrumentos de viento metal. Un tema duro, que nos habla de alguien sin compasión sin escrupulos. Estamos escuchando al malvado y terrible sultán cuya perversidad a llegado a tal punto que ha decidido casarse cada día con una nueva mujer para matarla esa misma noche.
Tras una pausa y cinco acordes a cargo de los instrumentos de viento
madera (min 0'25) que nos trasladan a un mundo mágico como de ensueño,
escuchamos un solo de violín dulce, sensual y maravilloso (min 0'40).
Estamos ante Sheherezade la joven e inteligente princesa que con sus
historias salvará su vida y cambiará para siempre la terrible
situación. Una melodía, un leit motiv de claro corte oriental en sus
voluptuosidades que la vamos a escuchar muchas veces a lo largo de toda
la obra, pues es ella la que enlazará unos movimientos con otros y de la
que a su vez, como si de las propias historias que la protagonista
cuenta se tratase, saldrán nuevos temas.
A partir del minuto 1'30 comienza el cuadro del mar. En esa transformación de las ideas musicales de la que hablabamos antes, si escucháis, en este momento de la obra hay algo que nos recuerda a la melodía del sultán, es como si él estuviera presente pero acunado por los arpegios de la cuerda que evocan las olas del mar. El hecho de que esta música nos recuerde al sultán es porque Rimsky ha variado el leit-motiv del sultán, lo ha transformado otorgándole una nueva configuración, para colocarnos en el mar.
Y a partir de aquí todo un cuadro en el que se alternará la descripción,
de ese mar por el que navega el navío, un mar que se irá tornando más y
más bravo a causa de una fuerte tormenta que se desatará justo después
de la segunda aparición del violín con esa evocación sutil y poética que
nos trae el tema de Scherezade.
El cuento del principe Kalender
El segundo movimiento comienza citando a Scheherezade, la princesa se prepara para contarnos una nueva historia en este caso la del príncipe Kalender. Tras el solo de violín, sin interrupción y derivado de él, surge una melodía en el fagot (0'40). Es un tema más rítmico, hay quien lo conecta con el tema del sultán, lo que está claro es que estamos ante el príncipe Kalender.
El tema pasará por el oboe (1'10), la cuerda (1'44) y el conjunto de
instrumentos de madera (2'19) antes de llevarnos a un cambio brusco de
atmósfera, antes de adentrarnos en una batalla.
Y para llamar a la batalla que mejor que recrear las fanfarrias que escuchamos a partir del minuto 3'05. Primero a cargo de los trombones, después en la trompeta para ir multiplicándose y repercutiendo en toda la orquesta. La batalla está aquí.
Pero un nuevo solo de clarinete (4'35), realizado sobre una larga frase
cadencial derivada del príncipe Kalender nos vuelve a preparar para un
cambio de episodio. Ahora escuchamos revoltear a los instrumentos de
madera y los violines en trémolo en el agudo, se trata de el pájaro
Roch. Este episodio dura poco, pronto vuelven las fanfarrias, y tras
ellas y con ellas el tema del príncipe Kalender rítmicamente
transformado y adornado por fluidos motivos a cargo de fagot, oboe,
clarinete y corno.
Finalmente, los bajos dejan oír el tema del Sultán, probablemente le está pidiendo un nuevo cuento a Scheherezade .
El joven príncipe y la princesa
Toda una escena de amor lo que nos encontramos en el tercer movimiento. Nuevamente dos temas: el
del príncipe interpretado por una dulce y lánguida cantinela en las
cuerda y el de la princesa interpretada con sensuales escalas por el
clarinete. Parece que no hay duda, frente a un príncipe sosegado y lírico tenemos a una princesa que baila.
El número es un gran diálogo, un diálogo que se ve interrunpido en el minuto 6'00 por la aparición de la voz de Scheherezade,
pues realmente es ella quien nos cuenta la historia. Y sobre ella
vuelve el príncipe (min 6'46) al que contestará y se entremezclará con
su princesa (7'37).
Fiesta en Bagda. Naufragio de un barco sobre las rocas
Minuto y medio de introducción antes de entrar en la fiesta sirven a Rimsky para que volvamos a escuchar alternativamente al sultán, bajo una nueva forma interpretada por la cuerda al unísono, y a Scheherezade,
esta vez en acordes de violín de gran dificultad técnica. Y tras dos
intervenciones de los máximos protagonistas de este cuento comienza la fiesta (min 1'20), con un motivo rápido con puntillo y sobre él, haciendo contrapuntos todo, un caleidoscopio sonoro de los temas fundamentales derivados de motivos presentados en los movimientos anteriores: el del príncipe Kalender (1'26), el de las fanfarrias (1'57) o otros salidos del movimiento anterior (tema de la princesa).
Las danzas en la fiesta se suceden una tras otra, sin pausa, en un frenesí que siempre va en aumento. El
ascenso al trance colectivo (min 7'00) se efectúa por medio de un
crescendo orquestal en el que escuchamos utilizar de manera cada vez más
abundante la percusión. Estamos llegando al clímax, estamos llegando al último cuadro y de nuevo, como en el primer movimiento, estamos en el mar(8'16).Un
mar que vuelve a ser evocado con el movimiento creado a partir de los
arpegios en la cuerda e incluso en el que podemos escuchar el viento de
este mar embrabecido en las escalas cromáticas de la madera que llevarán
al barco de Simbad, tras un choque con la roca al naufragio (9'35).
El mar poco a poco recobra la tranquilidad. Volvemos a escuchar un
fragmento del primer movimiento y escuchamos por última vez la voz de
Scheherezade (10'25) recuerdo de que nuestra princesa se encuentra en la
cámara del sultán, contando un cuento para cuyo final reclama vivir un
día mas.
A lo largo de ésta semana , pondré en el Blog los Ganadores del Just Dance 2015.
Ha sido muy difícil elegir a los campeones de cada categoría puesto que todos lo habéis hecho muy bien...
Solo quiero daros a todos la enhorabuena por vuestro esfuerzo y dedicación durante estos meses y que intentaremos hacer las actuaciones el día 19 de Junio para celebrar el Diá de la Música.
También iré colgando fotos de las actuaciones y los videos a lo largo de estas semanas así que estad atentos al Blog.
Ha sido un éxito en toda regla, los profesores y el director os felicitan y se han sorprendido gratamente, así que intentaremos mejorarlo el año que viene .
El Break Dance o Breaking es una danza urbana que forma parte de la cultura Hip-Hop surgida en las comunidades afro-americanas de los barrios neoyorquinos como Bronx y Brooklyn en los 70. Si bien es cierto que alcanzaría un reconocimiento más alto en la década de los 80, gracias a la influencia de diversos artistas como James Brown o Michael Jackson, y películas como Breakin' y Beat Street que extendieron el movimiento hacia los países europeos y Latinoamérica. El término fue impuesto por los medios de comunicación al baile conocido como Break Dance, así llamado originalmente por un número significativo de practicantes (B-boys). Se piensa que este nombre tenía motivos comerciales, y por eso algunos "B-boys" prefieren seguir llamando ¨Bboying¨ a su baile del modo original.
El Baile
Es un baile que combina una serie de movimientos aeróbicos y
rítmicos, influenciados desde bailes aborígenes, artes marciales,
gimnasia, y el funk. La lista de los movimientos es enorme y requiere
gran dedicación y disciplina para llevarse a cabo. Los movimientos del
B-boying se pueden clasificar en 4 ramas o estilos: Top Rock(baile de
arriba), footwork(trabajo de pies), power moves (movimientos de poder) y
freeze(te congelas en una postura)
Movimientos
Estas son las clases de movimientos. top-Rocking, Foot-woorking,
freezes, powermoves. A la que también podemos asociar otra modalidad de
movimientos, menos común, conocida como Abstract. Són movimientos que
requieren mucha flexibilidad a la vez que un gran manejo y control de tu
cuerpo.
Batallas
Son enfrentamientos entre B-Boys (individuales, por parejas o crews,
según se establezca). Para definir el ganador se califica el "Top
Rocking o estilo" (Estilo de pies o de arriba), los "Footworks o potros"
(Estilo de piso o abajo), los "Powermoves" (Movimientos de poder) y los
"Freezes" (El BBoy se queda "congelado" en una determinada postura).
Por otra parte se califica también la originalidad, escuchar la música o
seguir el ritmo, los movimientos explosivos (es decir, movimientos con
mucha energía), los movimientos de fundación (pasos básicos del baile,
normalmente poco puntuado), la creatividad del movimiento y la fluidez
con la que lo combines. EL break dance es uno de los más apasionante
bailes en Latinoamérica
Power Move
En el breakdance hay muchos movimiento entre los cuales se encuentran
los power move o movimientos de poder, que suelen ser los más difíciles
de aprender. Entre ellos se encuentran: El molino o Windmill, Halo o Corona, Flare o Molino Americano, Airflare o Airtrack, Headspin o Giro de cabeza, Munchmills
o molinos huevo, y entre ellos pueden haber variaciones como flare de
codos, airflare de codos, (molino pero en vez de volver al tortuga giras
en la cabeza). También hay algunos que se pueden hacer con la posición
de yoga llamada loto o buda (buddha).
Joseph Saddler (nacido el 1 de enero de 1958 en Bridgetown, Barbados), más conocido como Grandmaster Flash, es un músico y DJ estadounidense de hip hop. Se le reconoce como uno de los pioneros en las técnicas de pinchar y mezclar típicas del hip hop.
La familia de Joseph Saddler emigró a Estados Unidos desde Barbados, en el Caribe, y creció en el Bronx, Nueva York. Fue al instituto Samuel Gompers High School, una escuela pública de formación profesional, donde aprendió a reparar material electrónico. Los padres de Saddler jugaron un importante rol en su interés por la música. Su padre era un gran aficionado a la música negra estadounidense y a los sonidos caribeños. Cuando era un niño, a Saddler le fascinaba la colección de discos de su padre. El interés temprano de Saddler por ser DJ seguramente venga de esta fascinación por el coleccionismo de su padre, así como por el deseo de su madre por educarle en algo relacionado con la electrónica.
Innovaciones
Grandmaster Flash estudió cuidadosamente las técnicas y estilos que
utilizaban para pinchar sus antecesores, en particular de Pete Jones, Kool Herc y Grandmaster Flowers.
Siendo un adolescente, comenzó a experimentar con equipo de DJ en su
dormitorio, desarrollando tres innovaciones que desde entonces se
consideran como técnicas estándar de todo DJ.
Backspin ("Quick-Mix Theory"): en las primeras fiestas de Nueva York, los DJs se dieron cuenta que los breves breaks
de batería eran muy celebrados entre la audiencia. Con la intención de
aislar esos breaks y extender su duración, Grandmaster Flash descubrió
que utilizando dos copias del mismo disco podía tocar el break en una de
las copias mientras buscaba el mismo fragmento de música en la otra
(utilizando los cascos). Cuando el break terminaba en uno de los platos,
utilizaba la mesa de mezclas para pasar rápidamente al otro tocadiscos
donde el mismo break se mantenía listo para sonar. Utilizando la técnica
del backspin, un mismo fragmento corto de música podía repetirse
indefinidamente.
Punch Phrasing("Clock Theory"): esta técnica tenía que ver con aislar segmentos muy breves de música, normalmente notas de viento o un grito, para lanzarlo rítmicamente sobre un beat constante, utilizando la mesa de mezclas.
Scratching: aunque la invención del scratching se suele atribuir a Grand Wizard Theodore, Grandmaster Flash perfeccionó la técnica y la llevo a nuevas audiencias. El Scratching, junto al punch phrasing, permitía mostrar al DJ de forma novedosa: en vez de simplemente poner una secuencia de discos, él los manipulaba activamente para crear música nueva.
Las mejores chicas boo 5ºEPO Problem de Ariana Grande
Las pepis 5º EPO starhips
Las estrellas invencibles 2º EPO One direction
Las chicas invencibles 2º EPO what makes you beatiful
Caclama 2º EPO Im gonna catch you
Así quedan los grupos que van a participar en el concurso de baile, si
hay algún cambio debéis poneros en contacto con el profesor Juan Carlos.
Los que tenéis canciones que no están en el blog, me las debéis pasar en un pincho
Hoy miércoles, abrimos nuestro auditorio para hablaros de una obra para piano, concretamente un preludio, compuesto por el compositor francés Claude Debussy. Su título: La catedral sumergida y la historia en la que se inspira nos va a llevar a Bretaña, a la ciudad más bella del mundo.
Existe una antigua leyenda de origen celta que narra la historia de una
ciudad sumergida en las gélidas aguas del Mar del Norte de nombre Ys.
Se trataba de la ciudad más bella del mundo; las descripciones nos
hablan de una inmensa villa de calzadas empedradas, soberbios muros,
suntuosos palacios, rica en comercio y en cultivo de las artes, a la
cual un enorme dique, con una única puerta de bronce cuya llave estaba
en poder del rey, protegía de las mareas altas.
Pero las mismas descripciones nos dicen que Dahut, la hija del rey, era un ser egoísta, carente de virtud y piedad que en un día de tormenta e incitada por su amado, roba la llave al rey para abrir la gran puerta del dique y quedar la ciudad sumergida entre las aguas.
La leyenda no acaba aquí, todos los amaneceres desde lo más profundo del mar surge la ciudad de Ys y puede ser contemplada unos segundos por los seres humanos, además en ciertas ocasiones los barcos que navegan por la bahía de Dourarnenez escuchan el lúgubre replicar de las campanas de su vieja catedral, recordando con ello la gloria de la ciudad perdida.
Esta leyenda es la base sobre la que se inspiró Debussy para componer la Catedral Sumergida, un preludio para piano perteneciente al primero de los dos libros de Preludios, compuestos entre 1909 y 1913, integrados cada uno de ellos por 12 Preludios, ejemplo de la mejor música escrita para piano de Debussy y homenaje del compositor a Chopin y a sus Preludios, pero en este caso con un objetivo muy diferente al del compositor polaco. Para Debussy cada preludio va a ser una evocación destinada a crear una atmósfera, destinada a crear en el oyente un estado propicio para identificarse con el tema elegido, una evocación de las impresiones que ese tema genera, en el caso concreto de La catedral sumergida la leyenda de la ciudad de Ys. En palabras de Debussy:
Un interpretación emocional de lo que es
invisble
en la naturaleza
La primera pregunta, como siempre, está clara. ¿Cómo lo hace? ¿Cómo consigue crear esta atmósfera? ¿Nos va a evocar la leyenda a base de leit-motiv? Vayamos paso por paso.
Debussy junto con Ravel suelen enmarcarse dentro del impresionismo musical.
La pregunta que yo haría, si fuese quisquilloso, sería, ¿existe
realmente el impresionismo en música?
Lo que sí es cierto es que desde mediados del s. XIX el sistema en el que se estaba componiendo se va agotando, en gran medida por todas las licencias que se van introduciendo y Claude Debussy es una de las piezas claves en la revolución y la apertura a nuevas
formas y sistemas compositivos que la música occidental va a vivir a lo
largo del s. XX.
Claude Debussy interpretando al piano.
Debussy frente a la corriente alemana que aboga por el predominio de la estructura y del sistema diatónico, va
a dar valor con su enfoque a cuestiones que hasta este momento en la
música occidental se consideraban secundarias, superficiales como la
intensidad, el timbre o la textura. Solemos decir que Debussyes el gran creador de atmósferas en música.
Con Debussy vamos a aprender a escuchar el sonido en sí mismo, como una
entidad autónoma con la que recrearnos y la armonía dejará de ser un
agente dinámico para convertirse en un medio enormemente estático que
produce efectos de atmósfera y de color en la sonoridad.
Y así comienza esta obra.Una música profundamente calmadaindefinida para esos principios por lo que se regía la música hasta ese momento, -una
buena idea para ser conscientes de esta indefinición sería intentar
cantar el tema, éste no aparece hasta el compás siete de una manera casi
imperceptibles y alejadas de las ideas de tema clásico-, queriendo situarnos, siguiendo palabras del propio Debussy, en una bruma sonora. Una situación que continuará dulce y fluidaevocándonos el mar en calma y que dura hasta el minuto 1'32 en la grabación que a continuación ponemos.
A partir de este momento (min. 1'32) comienza lo que sería la
segunda sección de la pieza en la que la música va adquiriendo poco a
poco movimiento. Estamos saliendo de la bruma y vamos a escuchar el campanario de la vieja catedral. Oiremos, como si de un carillón se tratase, en el registro más agudo del piano el replicar irreal de sus campanas (min. 2'14).
Un ejemplo perfecto este momento y esta obra, del interés de Debussy
por el timbre y por la explotación sonora de las posibilidades de los
instrumentos.
Las campanas de la catedral suenan sobre unos acordes graves y sonoros que evocan la manera en la que se construían las polifonías primitivas, concretamente el organum.
Y aquí si que me gustaría hablar de otra idea. Obviamente aquellos que
tengáis alumnos pequeños con que escuchen los acordes y las campanas nos
damos por satisfechos, pero si son mayores si podéis explicarles que
esto es un rasgo importante dentro de la obra de Debussy.
Organum paralelo modificado. Micrologus de Guido, Siglo XI
No voy a ser muy espeso y enseguida os voy a continuar guiando en la
escucha de la tercera sección de este maravillosa pieza. Solamente
quiero decir que esta apertura a nuevos sistemas compositivos, de la que antes hablábamos, va a crear dos grandes corrientes:
aquellos continuadores de la tradición alemana que con el uso de
cromatismo pretenden extender los recursos composicionales desde dentro o
los que buscan una renovación del lenguaje desde fuera. Este último es el caso de Debussy.
¿Qué significa esto? Pues que Debussy para renovar su lenguaje, para crear su música va a mirar a otras culturas, a otros sistemas compositivos,
culturas que pueden estar alejadas de la suya tanto geográficamente
-aquí entra la gran influencia que van a tener en este momento las Exposiciones Universales para conocer lo que pasa en otros sitios, siendo el máximo ejemplo el descubrimiento de la música de Java concretamente la música de gamelán que tanta influencia tuvo en Debussy- como temporalmente.
La virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci
De la misma manera que nuestra cultura no siempre pintó con los mismos
principios su música no siempre estuvo compuesta bajo el mismo
sistema. El sistema tonal ese que ha condicionado nuestra escucha y nuestra manera de concebir la música es una creación moderna que se consolida en torno a 1750, antes componíamos de otras maneras, con otros sistemas como el modal, propio de la Música del Medievo.
Ábside de Sant Climent de Taüll, Pirineo catalán, s. XII
Pues bien Debussy para renovar su lenguaje viaja al Medievo y asume
rasgos de ese tipo de música. En este caso concreto la catedral va a ser
evocada con un organum, que es una de las formas más primitivas de la polifonía, una música hecha con quintas paralelas.
Lo podéis escuchar claramente en el min 2'30 (aunque venimos
escuchándolo desde el 2,10) representando esos cimientos de la vieja
catedral, gloria del pasado.
En el minuto 2'30 llegamos a la tercera parte de este Preludio,
primera cumbre de intensidad de la pieza. Momento en donde el mar, en
ese amanecer nos deja ver claramente la imagen de la catedral. A partir
de aquí Debussy hará una meditación expresiva y concentrada dentro de
una expresión de gran grandiosidad.
No quiero acabar sin destacar la manera en la que Debussy nos deja a
partir del minuto 5. 14 una última imagen de esta catedral, en esta
ocasión ese órgano que interpreta acordes paralelos lo escuchamos
enturbiado por ese mar que va hacer desaparecer la catedral entre sus
aguas. El agua vuelve a sumergir la catedral.
Saint-Georges majeur au crépuscule, de Claude Monet
Una pieza que como he intentado explicar da múltiples posibilidades. Para
los más pequeños un fantástico ejemplo para recrear con ellos una
leyenda y jugar a buscar sonoridades graves en esos acordes del organum y
agudas en esas campanas de la catedral. Si nuestros alumnos son más mayores las posibilidades se amplían enormemente: os puede servir para viajar a otras culturas o a otros tiempos y mostrar la música que allí se hace o se hacía; para hablar de renovación del lenguaje musical
y de como cuestiones como el timbre o la intensidad que antes eran
secundarias pasan a primer plano y se convierten en elementos
estructuradores; para hablar de movimientos artísticos; para establecer analogías entre la música y el resto de las artes... si me pongo no acabo nunca. Hablaremos de todo ello en próximas entregas.
Aqui os dejo otro canción preciosa de Debussy, que puede complementar a la Catedral sumergida, y de la que haremos otra actividad algún día. He pensado que la podéis utilizar como complemento.
Un saludo a todos los que me seguís. (Vuestro profesor Juan Carlos)
"Hay dos cosas en este mundo que no tienen porqué significar nada, una es la música y otra la risa”
Inmanuel Kant
En las últimas clases hemos estado hablando sobre el
sonido, el ruido y el silencio. De repente me volvió a la mente una obra
que siempre me ha llamado la atención: el Poema Sinfónico para 100 metrónomos
del compositor húngaro Györgi Ligeti (1923-2006). Aunque a muchos no os
suene su nombre, Ligeti es uno de los iconos de la música
contemporánea. El director de cine Stanley Kubrick eligió algunas de sus
obras para las bandas sonoras de 2001: Una odisea en el espacio, El resplandor o Eyes Wide Shut.
Para la ejecución de esta obra se requiere la presencia de diez
artistas, cada uno encargado de diez de los cien metrónomos. Los
metrónomos se ubican sobre una plataforma, se les da cuerda y se ajustan
a distintas frecuencias. Una vez preparados, a la señal del director,
se inician intentando que sea de manera simultánea. Los artistas salen
de escena. A medida que a los metrónomos se les va acabando la cuerda,
se hace perceptible la periodicidad en el sonido y comienza a
distinguirse a un metrónomo del otro. La pieza suele terminar con un
único metrónomo oscilando por unos pocos compases, seguidos por el
silencio.
En esta obra se refleja también la fascinación del compositor por los
mecanismos autómatas, en este caso un desfasamiento de 100 metrónomos
donde el único papel humano es desencadenar el fenómeno: encenderlos.
Atendiendo a la masa sonora que se genera su forma podría ser la de un
lied binario, es decir, un A-B-A’ (uniformidad, caos, uniformidad):
A: Uniformidad: masa sonora continua con todos los metrónomos encendidos al mismo tiempo.
B: Caos: cambios continuos cuando se comienzan a parar los metrónomos;
se escuchan variaciones sonoras debido a que no paran de forma
simultanea.
A’: Uniformidad: vuelta a la uniformidad cuando sólo queda uno o pocos
metrónomos con ritmo contínuo; se escuchan de forma nítida
distinguiéndolos claramente.
Por otro lado el compositor también trabaja intensamente el concepto de
textura, desde la simplicidad a la máxima densidad para, finalemente,
acabar volviendo al sonido desnudo de un único metrónomo.
Y yo pregunto a mis alumnos... ¿música? ¿sólo ruido? Hagan sus comentarios... silo desean
La armónica de cristal , también conocida como órgano tazón ,
hydrocrystalophone o simplemente la armónica es un tipo de instrumento
musical que utiliza una serie de vidrio cuencos o copas graduadas en
tamaño para producir musicales tonos por medio de la fricción
(instrumentos de este tipo se conocen como idiófonos de fricción ).El
instrumento tal como lo conocemos hoy fue inventado por Benjamin
Franklin en 1761,
Consiste en una serie de platos o boles de cristal de diferentes
tamaños superpuestos y alineados horizontalmente, atravesados por un eje
conectado por correa a un pedal que los hace girar mientras se toca, a
la manera de una vieja máquina de coser. Se toca mojando los dedos
ligeramente y tocando los platos mientras giran, lo que produce un
sonido cristalino. Actualmente tiene un registro de cuatro octavas.
Wolfgang Amadeus Mozart , Georg Friedrich Händel , Ludwig van
Beethoven , Richard Strauss compusieron obras para la armónica de
crista. Desde que fue redescubierta durante la década de 1980
compositores han escrito de nuevo por ella (solista, música de cámara,
ópera, música electrónica, la música popular), incluyendo Jan Erik
Mikalsen, Regis Campo , Etienne Rolin, Philippe Sarde ,Damon Albarn ,
Tom Waits , Michel Redolfi, Cyril Morin, Stefano Giannotti, Thomas Bloch
, y Guillaume Connesson .
Al igual que estamos acostumbrados a ver obras de artes plásticas que
embellecen un lugar (parques, paseos, jardines, edificios, salones…), es
posible escuchar una obra de arte sonoro embelleciendo cualquier
entorno.
Las Esculturas Sonoras son un conjunto de sonidos de diversa índole
(música, efectos sonoros, sonidos de la naturaleza, etc.), organizados
como obra de arte(arte sonoro),creados y diseñados para el entorno
elegido.
En los siguientes vídeos podéis ver algunas de estas Esculturas Sonoras:
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